Amerikan Müziği Nedir? Üç Klasik Albüm Cevaplar Sunar.

Amerikan klasik müziği tam olarak nedir? Programcılar yanıtlarını oluştururken tarihsel olarak iki yaklaşımdan birini seçmişlerdir: temkinli, parça parça çabalar veya riskli, hepsi bir arada füzyon.

Parça parça strateji, Duke Ellington gibi caz bestecilerinin eserlerinin karışımda olması gerektiğini, ancak Gershwin veya Bernstein’ın tam notalara sahip ve düzenli olarak çalınan eserleri yerine ayrı bir konser veya albüm olarak olması gerektiğini kabul edebilir. Füzyon yaklaşımı çok daha az sıklıkla duyulmuştur. Ama vardı. 1976’da Amerikalı piyanist Frederic Rzewski dinleyicilere saksafoncu ve doğaçlamacı Anthony Braxton’ın notaya alınmış iki farklı piyano parçasının yaratıcı bir karışımını ve ayrıca Almanya doğumlu besteci Hanns Eisler’in bir sonatını ve kendi “No Place to Go but Around” şarkısını verdi. baş döndürücü bir resital.

Daha önce deneysel olan bu kavram, kemancı Daniel Hope’un yakın tarihli bir albümü olan “Amerika”da olduğu gibi, klasik ana akımın ara sıra benimsediği bir kavramdır. Deneyciler hala füzyon yapıyorlar – yaylı dörtlüsü PUBLIQuartet’in yeni sürümü “What Is American”da olduğu gibi. Üçüncü bir yol – tamamen yeni müziği devreye alma – bir başka kayıtta, kemancı Johnny Gandelsman’ın 1 Temmuz’da yayılan “This Is America” adlı üç diskli kaydında gösteriliyor.

Hope’un albümü, füzyon yaklaşımının ille de kolay olmadığının kanıtı. Bu yılın başlarında Deutsche Grammophon etiketiyle yayınlanan kaydında, Sam Cooke’un “A Change Is Gonna Come” şarkısını ve Ellington’ın “Black, Brown and Beige” şarkısından “Come Sunday”ı denemeye çalışıyor. (Bernstein ve Copland’ın çalışmaları gibi daha dar çerçeveli bir Amerikan repertuarının ana dayanakları da programda.)

Cooke’da Hope’un tonu yeterince hoş – eğer bir dokunuş Joy Denalane’in vokallerinin duygululuğuyla eşleşmeyecek kadar solgunsa. Ancak Ellington alıntısı, çok hızlı bir şekilde açılan bir açılışla kaçırılmış bir fırsattır.

Bu okumayı, kemancı Ray Nance’in girişinden sonra 10 saniye daha aynı melodik malzemede eğlendiği 1958 tarihli bir Ellington kaydına göre değerlendirin. İfadeler arasında hızlı ileri sarmamanızın bir nedeni var; fazladan saniyeler her şey anlamına gelebilir.

Hope’un albümünde, en iyi performanslar erkenden, Gershwin ezgilerinden bir demet aldığında gelir. Burada, piyanist Marcus Roberts liderliğindeki bir üçlüyü doğaçlamalara ve sallanan Amerikan deyimine yardımcı olmaya davet ediyor. Onların katılımı, sesi “Büyüleyici Ritim” sırasında cüretkar bir şekilde dans eden Hope’un neşeli çalmasına ilham veriyor. (Ayrıca “Summertime”ın sonlarına doğru davulcu Jason Marsalis’in ritimleri üzerinde bluesy double-stop çalıyor.)

Yine de Hope, Zürih Oda Orkestrası ve Roberts Trio arasındaki işbirliği, sonuncusunun gözle görülür şekilde kuşatılmasıyla, son derece kibar olmaya devam ediyor. Bu, Seiji Ozawa’nın yönettiği 2003 Berlin Filarmoni performansının, grubun Dijital Konser Salonu’nda yayınlanan enerjisinden çok uzak. Roberts Trio, Gerswhin’in F.

“Amerika” bunun bir sorun olabileceğinin farkında görünüyor. Kapakta Hope’un yelek ve smokin giydiği ve pencereleri Amerikan müzik harikalarının portreleriyle süslenmiş bir binanın önüne park edilmiş eski model bir arabaya yaslandığı görülüyor. Ancak bu pencere çerçevelerine photoshoplanan sanatçılar albümün sesiyle pek uyumlu değiller. Saksafoncu ve bas klarnetçi Eric Dolphy’nin plaklar ve tınılar arasında kendinden geçmiş sekseklerinin patlayıcı niteliğine sahip tek bir pasaj yok. Peki arka albümde ne yapıyor?

Dolphy, kendi müziğinin ötesinde, basçı ve besteci Charles Mingus’un Sivil Haklar dönemi müzikal denemelerinde, özellikle “Original Faubus Fables” ve “Meditations on Integration”da önemli bir solist olarak yer aldı. Yine de Dolphy’nin ve “Amerika”nın kapağında resmedilen başka bir sanatçı olan John Coltrane’in protesto şiiri, burada Cooke’un değişim vaat eden pop şarkısının başlığının ötesinde mevcut değil.

Sonuç olarak, Hope’un albümü müzikal olarak sendikanın çalkantılı durumuyla yüz yüze gelmiyor ya da bu ülkenin sürekli gelişen caz geleneği içindeki geçmiş devrimleri kabul etmiyor. Coltrane ve Dolphy’nin 1961’de çaldıkları ateşli müzik, o sırada bazı çevrelerde “caz karşıtı” olmakla eleştirildi – iyi yaşlanmayan bir yaklaşım. Ancak Hope, bir albüm kapağında Amerikan ustalığının ateşinden bahsetmeye hevesli görünse de, pratikte onun tarafından söylenmek istemiyor.

Gandelsman’ın birkaç düzine besteciden oluşan bir gruptan yeni solo eserler talep ederek ulusal sıcaklığı almaya çalışan iddialı bir set olan “This Is America” projesinin uzun bölümleri için bunun tersi geçerlidir. Kemancı, albümün ön notlarında, bu parçaları sipariş etme dürtüsünün ilham kaynağı olarak bir sürü meseleden söz ediyor: pandemi; polis şiddeti ve Ahmaud Arbery, George Floyd ve Breonna Taylor’ın ölümleri; 2020’de orman yangınlarında kaybedilen dört milyon akrelik Kaliforniya ormanları; işsizlik; “kısır seçim döngüsü söylemi.”

Bestecilerin çoğu, Gandelsman’ın isteğine benzer bir ezici korku ve üzüntü duygusuyla yanıt verdi. Yeterince adil. Ancak bir dinleme deneyimi olarak, yaklaşık dört saatlik program, Suriye doğumlu klarnetçi ve besteci Kinan Azmeh’in “Sahra be Wyckoff” gibi daha fazla eserini kullanabilirdi. Arkadaşların ve sanatsal işbirlikçilerin bir araya gelmesinin zor olduğu bir zaman için yazılmış, Brooklyn’deki daha neşeli bir jam session geçmişini hatırlatıyor. Gandelsman’ın baş döndürücü performansı beni Azmeh’in Almanya’dan NDR Bigband ile kaydettiği etkileyici 2021 albümü “Flow”a geri gönderdi. Bu set, Orta Doğu’dan gelen melodik modlarla kaynaşan Ellington orkestrası ile Amerikan enerjilerinin geniş değişkenliğinin bir başka örneğidir.

Aksi takdirde, Gandelsman parçaları daha kasvetli ruh hallerine ve konulara yöneldi – ölü bir arkadaşın anısına ve sivil çekişme üzerine çok sayıda meditasyon dahil. Ve bazı parçalar bestecilerin köklü meşguliyetlerini yansıtıyor. Bu nedenle Tyshawn Sorey, dalgın (ve bazen de vahşi) “Courtney Bryan İçin”i sunduğunda, minyatür, bestecinin müzikal çağdaşlarına hızla genişleyen prizmatik övgüler kataloğuna küçük ama önemli bir katkı sağlayabilir. Ancak “Courtney Bryan için”, Gandelsman’ın komisyonların “bir şekilde yaşadığımız zamanı bir şekilde yansıttığı” yönündeki ümidiyle sadece biraz ilgileniyor. (Sorey’in içinde bulunduğumuz an hakkındaki daha spesifik düşünceleri için, geçen yılki yakıcı “Çocukları Kurtarın”a dönebilirsiniz.)

Yine de hepsi titizlikle oynanıyor; Gandelsman, her sanatçının kesin doğasına uyum sağlar ve sesini her birine göre ayarlar. İkinci disk, bir kompozisyon kontrastı ve yorumlama çabası sunuyor. Orada, Angélica Negrón’un çocukluğun yıldız gözlemine yönelik rüya gibi övgüsünü (“A Través del Manto Luminoso”) bulacaksınız, burada Gandelsman’ın boruları, doğrudan ses elektronik arka parça ile ideal bir şekilde birleşiyor.

Ebun Oguntola’nın kasvetli ama gizemli “Yansımaları”, Gandelsman’ı yay baskısının zıtlıklarına doğru teşvik ederek, bir bireyin zihninde öngörülemeyen bükülmeler önerir. Tomeka Reid’in şarkı söyleyen sonra virtüöz “Rhapsody”sinde, dinamik geçişleri daha akıcı ve sessizce etkileyici. Ve Gandelsman, Terry Riley’nin epizodik “Barbary Coast 1955” performansına büyüleyici, özgür çağrışımsal bir kalite getiriyor.

PUBLIQuartet’in şu ana kadar yılın en sevdiğim klasik albümü “What Is American” boyunca bu eserlerdeki sürekli değişen buluş. Dvorak’ın yanı sıra Tina Turner’ın “Black Coffee” ve Ornette Coleman melodileri “Law Years” ve “Street Woman”ın ödüllü aranjmanlarını içeriyor. Vijay Iyer’in yaylı çalgılar dörtlüsü “Dig the Say”ın (kendisi James Brown’dan ilham alan) baş sallayan bir performansı var.

Ve Braxton ve Association for the Advancement of Creative Musicians’ın diğer üyeleriyle birlikte 1960’larda öne çıkan besteci-saksofoncu Roscoe Mitchell’den yeni görevlendirilen yaylı çalgılar dörtlüsü “CARDS 11.11.20” var. Mitchell’in “Kartlar” serisindeki diğer eserler gibi, bu baştan sona bestelenmiş çaba doğaçlamaya davet ediyor (müzisyenlerin performansın bir noktasında nota parçalarını karıştırmalarına izin verildi); PUBLIQuartet oyuncuları, bu tuhaf Amerikan mücadelesinde evlerinde ses çıkarıyor.

Bunlar ve diğer eserler arasında yılan gibi görünen, dörtlünün Oliver Wendell Holmes Sr.’nin “The Star-Spangled Banner”ın belirsiz beşinci dizesinin parçalanmış anlatımlarıdır. İç Savaşın ortasında, bu şair – ve Yüksek Mahkeme Yargıcı Oliver Wendell Holmes Jr.’ın babası – “kirletmeye cüret eden haini / Yıldızlarının bayrağını ve hikayesinin sayfasını” kınadı. (Bunu ABD Capitol binasında Konfederasyon bayrağını taşıyan ve yakın zamanda bir ağır suç ve dört kabahat suçundan mahkum edilen 6 Ocak isyancı bağlamında düşünün.)

Asla aşırıya kaçmayan “What Is American” tek bir CD uzunluğunda eğlence, eklektizm ve sivil katılım içeriyor. Albümün çoklu gelenekleri bir araya getirme yeteneği, Dvorak’ın Yaylı Çalgılar Dörtlüsü No. 12’nin radikal ama tanınabilir uyarlamasında erken bir zirveye ulaşır – kısmen Harry Burleigh gibi Siyah Amerikalı müzisyenlere duyduğu sevgi ve onlardan ilham aldığı için “Amerikalı” olarak anılır. yanı sıra Yerli Amerikan melodisi).

Bu savaş atının düzinelerce bozulmamış, tam isabetli yorumuna sahibiz; PUBLIQuartet oyuncuları, haklı olarak, biraz yeniden icat edilmeye dayanabileceğini sezdiler. Performansları, çalışmadaki “doğaçlamaları” temsil ediyor. Açılış hareketinin birinci ve ikinci temalarını pratik olarak çizer ve dörde bölerler, cızırtılı, kaba yontulmuş aksanlarla onları tanıtır veya detaylandırırlar.

Hareketin bu temaların kapanış özetinden önce, oyuncular bize tüyler ürpertici bir an yaşatıyor. Geliştirme versiyonlarını tamamladıktan sonra, geniş çekiciliğe sahip bir blues modunda toplu olarak doğaçlama yapmadan önce bir tempo vites küçültme gerçekleştirirler.

Saniyeler sonra, grup Dvorak’ın kendi Amerikan esinli sesine geri döndüğünde, benzer hedeflere sahip diğer albümlerde olmayan yeni bir fikir var: Bireysel yorumlar kadar grup dinamiklerinin de Amerikan müziği için gerekli olduğu fikri. Ülkenin sorunlarını çözmeyecek, ancak çağdaş Amerikan ruhunun tanımlarına göre, bu 4 Temmuz’da sevdiklerim için çalacağım kayıt.