Tiyatro yönetmeni Anne Bogart ilk olarak 1980’lerin başında New York Üniversitesi’nde ders verirken sergilediği radikal öğrenci yapımlarıyla ses getirdi. Örneğin, “Güney Pasifik” (1984), bir akıl hastanesindeki gazilerin terapilerinin bir parçası olarak performans sergiledikleri bir gösteri olarak tasarlandı. Efsaneye göre Rodgers ve Hammerstein mülkü üretimi durdurdu, ancak Bogart bunun bir uzatmayı reddettiğini açıkladı. “Bizi kapattıklarını söylemek daha dramatik,” dedi kıkırdayarak.
Bogart’ın liderliğinde, 1992’de bir grup sanatçı tarafından kurulan New York City merkezli Saratoga Uluslararası Tiyatro Enstitüsü (SITI) Şirketi, “Bob”, “The Medium” ve “Hotel” gibi orijinal kreasyonların her ikisinde de deneysel ileri karakolları keşfetmek için otuz yıl harcadı. Cassiopeia” ve genellikle eski Yunan oyun yazarları tarafından klasiklerin yeniden tasavvuru.
Grubun vurgusu, titiz oyuncu eğitimi ve oyuncuların fizikselliğiydi. Geçen ay SITI’nin “Radio Macbeth” programını sunan NYU Skirball’un direktörü Jay Wegman, Bogart’ın yaklaşımının “duyguları merkezden uzaklaştırmayı ve bedeni yeniden merkezlemeyi” içerdiğini söyledi. “Çalışmalarının ne kadar mecazi olduğunu seviyorum. Bu bir olaya dönüşüyor ve neredeyse mistik bir his var çünkü sahnelemelerinde her şey çok sıkı bir şekilde bir araya geliyor.”
Şimdi SITI, üretim faaliyetlerine son veriyor. 71 yaşındaki Bogart, “İş, bir kurum olup olmadığımıza geldi – bu durumda daha genç, daha çeşitli bir şirket ve genç bir sanat yönetmeni elde edersiniz – veya bir grup insan,” dedi. “Oldukça duygusal bir tartışmadan sonra, bir grup insan olduğumuza karar verdik. Bence miras daha çok geleceğin genç şirketleri için nasıl bir model sunduğumuz: gayrimenkule değil yaptıkları oyunlara odaklanan işbirlikçi bir topluluk.”
Bogart, merkezde, 1990’ların “Culture of Desire” yapımında Andy Warhol rolünde Kelly Maurer ile. Kredi… The New York Times için Dolly Faibyshev
Bogart tamamen emekli olmuyor. Mezunları arasında Rachel Chavkin, Jay Scheib, Diane Paulus ve Jeffrey L. Page’in de yer aldığı Columbia Üniversitesi’nin yönetmenlik programında 2026 yılına kadar profesör olarak kalacak. Ayrıca serbest olarak yönetmenliğe devam edecek.
SITI, 16-18 Aralık tarihlerinde Bard College’da (yardımcı yönetmen Darron L West’in öncülüğünde) “Bir Noel Şarkısı” sunacak olsa da, özellikle şirketin dijital arşivleri canlı yayına geçtiğinden, bu geçmişe bakmak için iyi bir zaman gibi geldi. web sitesi 15 Kasım’da ve “SITI Company: This Is Not a Handbook” adlı bir kitap yakında Yonkers International Press aracılığıyla çıkacak. Bogart, en son (ve son) SITI galasından kısa bir süre sonra Londra’dan bir görüntülü sohbette konuştu. Etkinlik, şirketin “War of the Worlds” prodüksiyonunun yeniden canlanmasına öncülük etti ve yönetmene içten bir saygı duruşuna dönüştü. Bunlar, konuşmadan düzenlenmiş alıntılardır.
SITI’yi başlatırken hepinizin üzerinde mutabık kaldığınız temel şeylerden bazıları nelerdi?
Oyuncular bir lokantada buluştular ve birbirlerine sordular: “SITI Şirketi üyesi olmak ne anlama geliyor?” Her yıl bu soruyu yenilediler ve hep aynı cevabı aldılar: Birlikte antrenman yapıyoruz. Zamanla devam etmemizi sağlayan çimentodur. Sadece birlikte eğitim alıp birlikte öğrenmekle kalmıyorlar, aynı zamanda o eğitimi veriyorlar ki bu da yıl boyunca maaş almalarını sağlıyor. Onlara kendi teklifim, yaratmak istediğim tüm bu teatral denemelere sahip olmamdı. Bu kadar uzun sürmesini beklemiyorduk ama zamanla birlikte çalışacak ve sorunları birlikte çözecek bir grup insana ihtiyacım vardı.
SITI ile serbest faaliyetlerinizi nasıl yönettiniz?
Dışarıda çok opera yapıyorum. Bunun SITI Şirketi için her zaman en az stresli olduğunu düşünmüşümdür: Opera yapacaksam kimse şikayet edemez çünkü opera şarkıcıları gibi şarkı söyleyemezler. Tüm bu şeylere karşı hala büyük bir iştahım var. Bu değişmedi.
Başladığınızda nereden ilham aldınız?
Judson Church döneminin sonunda, 1974’te New York’a geldim ve danstan çok etkilendim. Daha sonra Wooster Group olan Performance Group, André Gregory’nin Manhattan Project’i, Joe Chaikin’in Open Theatre’ı ve Richard Foreman’ın çılgın çalışmaları ve Bob Wilson’ın büyük çılgınlıkları gibi tiyatro şirketlerinin de patlamasıydı. Ayrıca Alman tiyatrosuna – özellikle Peter Stein, Klaus Michael Grüber, Luc Bondy – aşıktım ve onlardan çok şey çaldım.
1980’lerin başında geçici olarak Avrupa’ya taşınmanızın nedeni bu mu?
Amerikalılardan nefret ettiğime ve Alman olacağıma karar verdim. Ama aslında çok Amerikalı olduğumu keşfettim: Amerikan bir mizah anlayışına, bir Amerikan yapı anlayışına sahibim. Ve Amerikan tarihiyle gerçekten ilgileniyorum – o zamandan beri çalışmalarımın çoğu Orson Welles, Bob Rauschenberg, Joseph Cornell gibi Amerikalılar hakkında oldu.
Geçtiğimiz on yıllarda gelip giden büyük tiyatro trendlerinden bazıları nelerdir?
Yönetmenlere hayran olan kuşağın bir parçasıydım. Sokakta Bob Wilson ve Lee Breuer’i takip ederdim! Sonra insanların direktörlere isim vermediklerini, şirketlere isim verdiklerini fark ettim, örneğin Complicité gibi. Bu yaklaşık on yıl sürdü. Şimdi, olağanüstü yeni seslerin eski biçimlere meydan okuduğu oyun yazarlığında devrim yaşanıyor. “An Octoroon” – bu radikal bir oyun. Yani yönetmenden şirkete ve oyun yazarına gitti.
Tiyatro yönetmenlerinin kendileri nasıl değişti?
Bölge tiyatrosuyla bu kadar az ilgilenmelerine şaşırdım. Eskiden herkesin gitmek istediği yer olan ülke çapında bu tiyatro fabrikalarımız var ve şu anda o kadar çekici değil. Çekici olan arka merkezlerdir ve SITI Company, Krannert, the Walker, the Hancher, Rachel Chavkin veya Diane Paulus gibi UCLA yöneticileri de ticari modellere yeni yollarla bakıyor. Gençken Broadway ilgimi çekmezdi ama genç yönetmenlerin ilgisini çekiyor.
Covid döneminde tiyatrodan ne anlıyorsunuz?
Çok ilginç bir andayız. Harika İskoç filozof William MacAskill’in bir teorisi var, ne zaman bir felaket olayı olsa, değişimin olduğu bir esneklik dönemi oluyor ve kısa süre sonra kabul edilen yeni bir var olma biçimine kenetleniyoruz. Sanırım o esneklik anındayız. Karşı taraftan ne çıkıyor? Sen ya da ben bilemeyiz.
Bu aralar kimin işini seviyorsun?
Seyircilerin ve oyunların işleyişini yeniden düşünen Tayvanlı yönetmen Stan Lai’nin çalışmaları gerçekten ilgimi çekti. Ivo van Hove’un ne düşündüğü her zaman ilgimi çekmiştir. [Romeo] Castellucci ile bir nefret/aşk ilişkim var: Çoğu zaman onun çalışmasına katlanamıyorum ama bununla baş etmem gerekiyor. Sanırım aradığım şey eldiveni yere atan biri.
Özellikle Covid’den bu yana seyirci ve tiyatro arasındaki ilişkiye yeniden bir ilgi olduğunu düşünüyor musunuz?
Bence sınır şu anda böyle. Arkadaşım [ve SITI’nin sanat yönetmenlerinden biri] Leon Ingulsrud geçen gün tiyatroya gitti. Nasıl olduğunu sordum ve “Pek iyi değil – oyuncular seyirciye asla merhaba demedi” dedi. Bunun gerçekten ilginç olduğunu düşündüm. Bence ödül, bu ilişkinin veya bir izleyicinin nasıl etkileşime girdiğinin kabulü.
Ama bunu nasıl yapıyorsun? Dikkat dağıtmaz mı?
“Bob”[1998] kelimenin tam anlamıyla merhaba demesiyle başlar – herkesin bir araya geldiği bir arayüz anı vardır. Ivo van Hove’un “Daha Görkemli Konakları”nda[1997] oyuncular sahneye çıktılar, birbirlerinin ve seyircilerin önünde eğildiler, sonra Joan MacIntosh o O’Neill oyununun ilk monologunu son hızla konuşmaya başladı. Koltuklardan inen insanların gümbürtülerini duymaya başladım. Sadece dayanamadılar. Ama bir bakıma bu aynı zamanda merhaba demek gibi. İlk başta, “Kahretsin, bunu asla yapamam – ben bir Amerikalıyım, popülist arka ile ilgiliyim” diye düşündüm.
Tamam, ama dürüst olmak gerekirse, sen gerçekten popülist bir yönetmen olarak düşünülmüyorsun.
Derinlerde, evet, içimde. Ben böyle yetiştirildim. SITI Company’nin başlangıcında biz bir nevi “seyirci [küfür] ediyorduk.” Artık bunu hiç hissetmiyorum. Orada olmanın amacının seyirci olduğunu hissediyorum – her şey seyirciyle ilgili.