İster bir New York City metro ızgarasının üzerindeki küçük beyaz bir elbise, ister iddialı bir pop yıldızı üzerindeki koni sütyen olsun, giydiğimiz giysiler her türlü mesajı yansıtma gücüne sahiptir. Belirli giysilerin ve silüetlerin varlığı, genellikle önemli toplumsal değişim anlarının kanıtıdır; söyleyemediğimiz şeyleri giydiğimiz kıyafetler aracılığıyla iletiyoruz, bu da dünyada nasıl hareket ettiğimizi ve nereye gitmemize izin verildiğini belirleyebiliyor. Birçok yönden, herhangi bir moda tarihi, ne kadar eksik olursa olsun, hepimizin tarihidir. Aynı zamanda terzilik, tekstil, yenilik, iç çekişme, ticaret, kabadayılık ve hepsinden öte güzellik – çirkinlik üzerine bir ankettir.
Bunu akılda tutarak, T saygın jüri üyelerini bir araya getirdi – Paris’teki Musée des Arts Décoratifs’in eskiden moda ve tekstil baş küratörü olan moda otoritesi Pamela Golbin; New York merkezli stilist ve T yazarı Matt Holmes; T’nin yaratıcı yönetmeni Patrick Li; Amerikalı moda tasarımcısı Rick Owens; ve İtalyan galerici, Fondazione Sozzani’nin başkanı ve 10 Corso Como konsept mağazasının kurucusu Carla Sozzani – II. Dünya Savaşı’nın sonundan bugüne kadarki en etkili 25 kadın giyim koleksiyonunu seçecek. Bir araya gelmeden önce, her biri dahil edilmeye değer gördüğü yaklaşık 10 koleksiyonu aday gösterdi. Ardından, Temmuz ayı sonlarında bir Çarşamba günü, sıralamalarından ziyade çoğunlukla tartışıldıkları sırayı yansıtan listeyi kısaltmak için çevrimiçi olarak toplandılar. Birkaç açık favori vardı – herkes Comme des Garçons’un en az bir sezonunu dahil etmeyi kabul etti – ve birçok zorlu ihmal. (Evet, İtalyanlar konusunda hafif olduğumuzu biliyoruz.) Bir tasarımcının çalışmalarından tek bir koleksiyon seçmek genellikle zordu, ancak görev bu olsa da; Aynı derecede zor olan, giysilerin kendisini bir gösterinin görüntüsünden ayırmaktı. Dikkate alınması için, bir koleksiyonun bir podyumda görünmesi gerekmiyordu ve tüm podyum gösterileri kriterleri karşılamadı. Örneğin, 1973 Versay Savaşı bağış toplama etkinliği, takımlar olduğu için katılmadı; anıtsal etkinlik için, beş Fransız modacı (Christian Dior için Marc Bohan, Pierre Cardin, Hubert de Givenchy, Yves Saint Laurent ve Emanuel Ungaro) beş Amerikalı akranına (Bill Blass, Stephen Burrows, Oscar de la Renta, Halston ve Anne Klein). Ayrıca panelistlerin kendilerinin hiçbir şeyi dikkate almama konusunda anlaştık, bu yüzden Owens birden fazla adaylığına rağmen nihai listede değil.
Son olarak, iki koleksiyon çağdaş modanın gelişiminde o kadar etkili oldu ki, bir çift değerli slotu almak için neredeyse çok açık olduklarını hissettik. İlki 1947’de, Christian Dior adında nispeten genç bir Fransız tasarımcının feminen New Look’u piyasaya sürmesiyle geldi. Omuzları eğimli elbiseler bele sıkı sıkı sarılmıştı ve sadece bir kum saati figürü değil, aynı zamanda dönemin askeri üniformalarının sadeliğine karşı gösterişli bir panzehir yaratan hacimli eteklerle giyilen şal yakalı ceketler de öyleydi. İkincisi, 1920’lerde ve 30’larda pragmatizm ve bağımsızlık ileten ve Dior’un özgürleşmiş kadınlara bir kötülük yaptığını hisseden Fransız modacı ve şapkacı Gabrielle “Coco” Chanel tarafından birincisine karşı bir argümandı. 1954’te 70 yaşındayken emekliliğinden çıktı ve o dönemde ince bir etek ve örgülü yakasız bir ceketle güncellenen klasik tüvit takım elbiselerini rakiplerinin ilkel ideallerinin reddine dönüştürdü.
O öğleden sonra yapılan görüşmede, beklenmedik anlaşmazlıklar arasında olası olmayan ortak görüşler ortaya çıktı. Ancak herkesin doğru olduğunu bildiği tek şey, modanın kumaştan çok daha fazlası olduğuydu, bu da Owens’ın neden gömleksiz göründüğünü açıklayabilir. — Nick Haramis
Pamela Golbin: Başlamadan önce atlayabilir miyim? İkinci Dünya Savaşı’ndan bu yana hazır giyim koleksiyonları fikrini bir parametre olarak ele almak istedim: Savaştan hemen sonra Fransa’da çağdaş biçimiyle hazır giyim yoktu; sadece hazır giyim koleksiyonlarına bakmak isteseydik 1973’te başlamamız gerekirdi. O zamana kadarki tüm koleksiyonlar couture.
Carla Sozzani:Hayır, 1966’da Saint Laurent Rive Gauche almaya başladım. O hazır giyimdi.
Golbin:Le Sigara, bir couture koleksiyonunda tanıtıldı.
Sozzani:Ancak Rive Gauche 1966’da Paris’te açıldı.
Nick Haramis:Ve gidiyoruz!
1. Yves Saint Laurent, 1971 baharı
Ocak 1971’de Yves Saint Laurent, tek bir giysiden ilham alan eksiksiz bir koleksiyon sundu: 1940’larda, arkadaşı takı tasarımcısı Paloma Picasso’nun bit pazarından aldığı bir elbise. Gösteriye “Libération” adını vermesine rağmen, daha sonra Skandal koleksiyonu olarak tanınacaktı: Kısa kürk ceketler ve kama ayakkabılarla giyilen diz boyu elbiselerin geçit töreni, bazıları için savaş zamanı Paris’inin istenmeyen anılarını çağrıştırırken, sıçrayan türbanlar, ruj- Lekeli ağızlar ve cafcaflı renkler, geleneksel iyi zevk fikirlerinden keskin bir şekilde ayrılıyordu. Saint Laurent’in ilham perisi Loulou de la Falaise, Amerikan ve İngiliz basınından izleyenler, öfkeli tepkileri dinledi ve “Duyduklarımız – ‘Bu koleksiyon bide üzerine oturmak içindir’” diye hatırlattı. İlk çıkışından aylar sonra, modanın gelgiti değişmeye başladı – Saint Laurent, önümüzdeki birkaç on yıl boyunca hakim olacak retro esinli stil çılgınlığını öngördü. Tasarımcı, uygunluğa meydan okuyarak ve haute couture ile hazır giyim arasındaki çizgileri bulanıklaştırarak geçmişle bağlarını kopardı ve sokakların enerjisini ve heyecanını kucakladı. “Moda zamanımızın yansımasıdır” dedi ve “zamanının atmosferini ifade etmiyorsa hiçbir anlamı yok” dedi. — Kin Woo
Haramiler:Üçünüz, Yves Saint Laurent’in ünlü Le Smoke takımının yer aldığı 1966 sonbahar koleksiyonunu dahil etmeyi seçtiniz.
Golbin:Bu, bir kadının gardırobunda ilk kez bir smokin bulmamız değildi, ancak Christian Dior’un varisi olan Saint Laurent, bu trende kendi rengini verdi. soylu mektup.
Rick Owens: Bunu nasıl dahil etmeyelim? Bu kararı savunmamız gerektiğini düşünmüyorum.
Haramiler:Carla aynı fikirde olmayabilir.
Sozzani: 1971 baharını tercih ederim – çok fazla kötü eleştiri aldı. Onları okuyup, “Bundan nasıl kurtulacak?” diye düşünürdünüz. Hatta bence bu onun en iyi koleksiyonlarından biriydi ve çok fazla satın aldım. Ablam [ünlü Vogue Italia baş editörü Franca Sozzani] evlendiğinde, Scandal koleksiyonundan bir pantolon ve bir ceket giymeye gittim. 70’lerde bir düğüne pantolonla gitmek duyulmamış bir şeydi. Yıllar sonra, Saint Laurent çok burjuva oldu, ama o zamanlar kışkırtıcı ve zamanının ötesindeydi.
Patrick Li:Saint Laurent bir skandala yol açmak için yola çıktı mı sence?
Sozzani: Hayır tabii değil. Basının bazen ne kadar yanılabildiği inanılmaz.
2. Celine, Phoebe Philo, sonbahar 2010
Büyük Durgunluk teknik olarak 2009 yazında sona ermiş olsa da, Phoebe Philo Céline için ikinci podyum koleksiyonunu sunduğunda kültürel yansımaları daha yeni hissediliyordu. (Hedi Slimane, 2018’de kreatif direktör olduğunda markanın adındaki aksanı kaldırdı.) Philo, ihtiyatlılığı telkin eden ve arzulanan ile gündelik arasındaki mesafeyi en aza indiren çok yönlü giysilerle Fransız evinin spor giyim başlangıcına geri döndü. Siyah, beyaz ve lacivert, birkaç zeytin yeşili sıçramasıyla paletine hakim oldu. Dar pantolonlar ve diz boyu etekler, bazen bir illüzyon biçiminde, tek bir kılıfta kaynaşmış mavi bir yün etek ve siyah deri bir tanga ya da ilk bakışta, eşleşen bir etek ve ceket. Bu tür tuzaklar, bir bütünlük ülküsünü ifade ediyordu – giyecek iki şeyi seçmenin, birini seçmek kadar kolay olması gerektiği. Philo’nun özcülüğü, göze en basit öğelerde bile ayırt edici özellikler aramaya gönderdi. Ve bu özellikler kaçınılmaz olarak oradaydı, genellikle kasıtlı bir asimetri gelişimi içindeydi, keşfi izleyicinin bakışını ödüllendirdi ve koleksiyonun bilincini doğruladı. — Gül Courteau
Golbin: Bunu seçtim çünkü gardırobunu gerçekten kurduğu zamandı. Kadın tasarımcıların bu listede olması benim için önemli çünkü 1990’larda ve 2000’lerin başında onlardan pek fazla yoktu. Masaya çok önemli bir tasarım sözlüğü getirdi.
Sozzani: İşini seviyorum ama onun gerçekten bir tasarımcı olduğunu düşünmüyorum. O daha çok harika bir stilist.
Matt Holmes: Phoebe’nin Celine’deki zamanına gelince, bunun kültür üzerindeki etkisini düşünüyorum. Dünyada ve moda dergileri dışındaki yerlerde sık sık görüyorum. Markayla tanışmam, Kanye [West]’in pijama gömleği giymeye başladığı 2011 ilkbahar koleksiyonuyla oldu. Erkeklerin onun oldukça kadınsı olan kıyafetlerini giyebilmesini canlandırıcı buldum. Ama onun bir tasarımcı olarak temel atmasından bahsediyorsak, sonbahar 2010. Tüm yapı taşlarıyla güçlü bir gösteriydi.
Tasarımcı Phoebe Philo’nun şovunu tartıştığı bir klip. Kredi Kredi… video modası
Li:Phoebe’nin Celine’i inanılmaz derecede etkiliydi —
Sozzani:Hala.
Li: O olmasaydı, bu cadde markalarının çoğu var olmayacaktı. Carla, önemli olan senin görüşüne göre, Virgil’i [Abloh, Off-White kurucusu ve Louis Vuitton’da erkek giyiminin son sanat yönetmeni] bir sınır bulanıklığı, gerçek olmaktan çok bir stilist veya bir arka yönetmen olarak düşünüyorum. tasarımcı, ancak etkisi kalıcı olan.
Sozzani:Yarattığı şey bir dildi.
Li:Bütün bir dünya, gerçekten.
Sozzani: Bu, günümüz kadınlarının özlediği bir şey. Pek çok kişi onun yaptığını yapmaya çalıştı ama şimdiye kadar kimse başaramadı.
3. Balenciaga, Nicolas Ghesquière, 2002 baharı
Genç Fransız Belçikalı tasarımcı Nicolas Ghesquière, Balenciaga’nın kreatif direktörlüğünü üstlendiği beş yılın ardından, bahar koleksiyonunda kargo pantolonları baştan sona bir çizgi haline getirdi ve patenci kültürü ve hip-hop sanatçılarından etkilenen Amerikan sokak giyiminin sözlüğünden onları bir üst modaya dönüştürdü. onları deniz yeşili mavi ve toz pembenin havadar kumaşlarıyla soyutlayarak ve kemerlerini kuşaklarla değiştirerek podyuma çıktılar. Diğer parçalar da benzer şekilde cıvıl cıvıl bir havayı yansıtıyordu: abartılı kalça cepli salopetler, geniş bir göğüs kafesi şeridini ortaya çıkaran biblo benzeri yapısıyla hacimli siyah pamuklu slip-on elbise. Bu silüetlerin yapısı bozulmuş faydacılığı, Hint esintili kumaşlardan ve eski brokarlardan yapılmış bir dizi karmaşık patchwork üstler ve mini elbiselerle tezat oluşturuyor. Los Angeles stilinden, Raphael’lerden ve Hollandalı tasarımcı Koos van den Akker’in gösterişli kazaklarından ilham alan Ghesquière, eklektik kentsel giyim için romantik bir şablon sağladı. Ayrıca, koleksiyonun en çarpıcı parçalarından bazılarının 1990’da vefat eden az tanınan Çinli Amerikalı tasarımcı Kaisik Wong tarafından yapılan giysilerin replikaları olduğu keşfedildiğinde, sanatsal mülkiyet hakkında bir tartışma başlattı. Ghesquière ödeneklerini inkar etmedi. “İnsanların ilham kaynaklarıma bakmaları beni gururlandırıyor” dedi. – uzaktan kumanda
Li: Onun dünyasına doğrudan bir yol, o kargo pantolonlarından geçiyordu. ben buna bir demezdim kolay fikir – o kadar da garip olmasa da – ve yine de o pantolonun etkisi ölçülemezdi. Etkilerini her yerde gördünüz.
Owens: Sanırım Nicolas Ghesquière’i dahil etmemekle hata ettim. Bu aptalcaydı.
Golbin:Neden öyle diyorsun?
Owens: Çünkü bana Balenciaga’daki işinin ne kadar harika olduğunu hatırlattın. 2002 baharı için önergeyi ikinci olarak vereceğim.
Holmes:Ben de.
4. WilliWear, Willi Smith, 1978
Willi Smith’in iş hayatındaki ilk iki yılında, tasarımcının kıyafetleri belirli bir New York sahnesi ile sessizce popüler oldu. Ancak, WilliWear’ın iş ve yaratıcı ortağı Laurie Mallet’in daha sonra söylediğine göre, Smith’in 1978’deki ilk defilesine kadar gerçekten “arka dünyaya girişimiz” oldu. SoHo’daki Holly Solomon Galerisi’nde, 500 kişinin bir araya geldiği ve sokak giyiminin mucidi olarak bilinen Siyah bir tasarımcının ortaya çıkışını gördüğü bildirildi. Giysileri rahat ama özel dikim, sade ama moderndi ve onun için en önemlisi makul fiyatlıydı. The Times’a, “dirndl pantolon” olarak adlandırdığı dalgalı yüksek belli pantolonları da içeren ilk çıkışı hakkında “100 dolardan fazla bir şey yok” dedi. Gösteri kız kardeşi aktris ve model Toukie Smith’in balıkçı tarzı sandalet ve çoraplarla kombinlenmiş hafif, kısa kollu bej bir tulum giymesiyle başladı. Koleksiyon, hareket özgürlüğüne izin veren yumuşak ceketler ve bol elbiseler ile denizcilik ve Güneydoğu Asya temalarına sahipti ve 1970’lerin kadınları için önceki on yılların daha feminen üniformalarından kurtulma özgürlüğü. Smith, uyarlanabilir, cinsiyete dayalı “sokak modası” etrafında bir dünya inşa ediyordu, ancak 1987’de, tam olarak farkına varamadan AIDS’e bağlı bir hastalıktan 39 yaşında öldü. — Jessica Testa
Li: Yüksek moda değildi; çok daha demokratik bir teklifti, ancak daha az erişilebilir koleksiyonların tüm dilini kullanan bir teklifti. Bu yaygın olmadığında Siyah bir tasarımcı olduğu gerçeği, yeni bir alan çizdi. Kıyafetler çok güzeldi ve mimarlık firması Site tarafından tasarlanan mağazayı çok sevdim. Mükemmel bir paketti ve olması gerektiği kadar tanınmadı.
5. Donna Karan, 1985 sonbaharı
Yedi Kolay Parça: Donna Karan’ın aynı adı taşıyan markasının 1985’teki ünlü ilk çıkışının arkasındaki konsept buydu. On yıldan fazla bir süredir Anne Klein için tasarım yapan Karan’ın günlük şık giyinme ve izleyici bulma içgüdüsü vardı: Modayı önemseyen ancak bunu yapmak için çok meşgul olan müşterileri hedef aldı. Gerçekten bakım moda hakkında. (Bugüne kadar, konsept bir “kapsül gardırop” olarak pazarlanıyor; yaklaşık 40 yıl sonra, birçok kadının giyinirken hala bunalmış hissettiği ortaya çıktı.) Zamanlama düşünüldüğünde bu bir dahiydi: 1990’a gelindiğinde, 1970’de yüzde 37,5 olan kadınlar, Amerikan işgücünün yüzde 45’inden fazlasını temsil edeceklerdi. Karan’ın karıştırıp eşleştirdiği kıyafetlerin çoğu, kıvrımlarını vurgulamak içindi (ortadaki kolay parça bir elbiseydi), diğerleri ise kadın giyiminde erkek silüet trendi. Önemli olan, gündüzden geceye zarif bir şekilde uyum sağlayabilmeleriydi. Orijinal koleksiyondaki diğer parçalar arasında özel dikim bir ceket, kaşmir bir kazak, bir anvelop etek ve klasik bir beyaz gömlek vardı. Karan, asla sıkıcı olmayacak yüksek kaliteli temeller vaat ediyordu – şimdi Amerikan moda endüstrisinin başlıca satış noktalarından biri haline gelen bir konsept. -JT
Owens: Pamela, bu senin miydi? Onu koyacaktım!
Golbin: Amerikalı bir kadını dahil etmenin önemli olduğunu düşündüm. Biçim ve işlevin inanılmaz bir şekilde bir araya geldiği Claire McCardell ve Bonnie Cashin geleneğini gerçekten takip ediyor. Yedi Kolay Parça ile Amerika’daki ve başka yerlerdeki her kadının çalışma gardırobunu kurdu, ancak daha sonra onunla birlikte gelecek olan ikonografiydi – örneğin reklamlarında. [Donna Karan’ın 1992 baharındaki isim kampanyası, ilk kadın Amerikan başkanının göreve başlamasını ve yönetimini öngördü.] Anne Klein’dan beraberinde getirdiği deneyim ve bundan sonra yarattığı evren hakkındaydı.
6. Hood by Air, Shayne Oliver, sonbahar 2014
2006 yılında tasarımcı Shayne Oliver tarafından ortaklaşa kurulan Hood by Air, Oliver’ın çalışmasına aşina olmayanlar bu tanımlamanın kapasitesini hafife alsa da “lüks sokak giyimi” olarak tanımlanıyor. 2014’te bir moda gazetecisi, Oliver’ın anarşik kolektifinin – yaygın olarak bilindiği gibi HBA’nın – “şu anda New York modasında olan en tuhaf, en çılgın ve en ilgi çekici şeylerden biri” olduğunu yazdı. punk, atletizm, androjenlik, kulüp teçhizatı, gotik ve kabile estetiği.” HBA’nın o yılki, her cinsiyetten modelde erkek giyimi olarak gösterilen ve zorlu saç tokaları yapan bir modacı topluluğuyla sonuçlanan sonbahar koleksiyonundan bahsediyordu. Trinidad’da aile kökleri olan Oliver, Brooklyn’de büyürken uğradığı dans kulüplerini birincil etki olarak sayar. (Hood by Air adı, hem Crown Heights’ın “başlığı”na hem de metroyla gittiği Manhattan şehir merkezindeki 90’ların patenci sahnesine bir göndermedir.) Bu koleksiyonda kargo pantolonları, trençkotları ve kalın -deri ve süetten tabanlı dövüş botları – ve tabii ki, siyah denizde kısa ve öz renk sıçramaları sağlayan HBA’nın temel logolu tişörtleri. Pek çok parça, tam anlamıyla işlevsel olamayacak kadar çok fermuarla şeritlenmişti. Modellerin kısmi saç parçaları gibi – başlarının tepelerine püskül gibi dizilmişler – her an ne yaratabilecekleri (fermuarlamak veya kapatmamak, peruk takmak veya takmamak) küçük bir örnek sundular. artık yaygın olarak akışkanlık olarak adlandırılmaktadır. – uzaktan kumanda
Holmes: Shayne olay yerine geldiğinde, sanki bir meteor çarpmış gibiydi. Siyahi queer bir stilist olarak bunu çok heyecan verici buldum. Moda duygusu, o zamanlar çok hızlı ve kurumsal bir duyguydu. Bu gösteri şovmenlik fikrini New York’a geri getirdi. Onun varlığı, sanki moda sadece Bryant Park’ta var olabilirmiş gibi, her şeyin çok temizlenmiş ve sterilize edilmiş olduğu bir zamanda ana akıma sızan daha fazla yeraltı fikrinin domino etkisi yarattı. [1990’lar boyunca ve mekanların dağıldığı 2009’a kadar, çoğu New York Moda Haftası defilesi giyim bölgesinden birkaç blok ötedeki bir çadırda yapıldı.] Bu HBA 69 gömlekleri bugüne kadar Canal Street’te satılıyor. Yerel mecnun kadınımda bir tane var. Çok özel hissetmeyen moda.
Haramiler:Bunu bir Rick Owens şovuyla da karşılaştırdığına inanıyorum.
Holmes:Şey, ömür, Shayne’in eline cop alıyor sanıyordum.
Owens:Shayne’i seviyorum ama sanırım onun yerine selefi Jean Paul Gaultier’i seçerdim.
7. Jean Paul Gaultier, 1983 baharı
Jean Paul Gaultier’in modadaki 50 yılı boyunca, en tanınmış motifi, muhtemelen keskin konik sutyenli bir korse olmuştur. 1983 baharı için Dada koleksiyonu başladığı yerdi – Madonna’nın ünlü “Blond Ambition” turnesinde konileri almasından yedi yıldan fazla bir süre önce. Korse ve iç çamaşırından ilham alan giyinmenin yeniden canlanması göz önüne alındığında şimdi tuhaf görünebilir, ancak bir zamanlar iç çamaşırını dış giyim olarak giymenin hala skandal veya utanç verici olduğu bir zaman vardı. Gaultier, korse elbisesinin tanıtımıyla onu yıkıcı ve cinsel açıdan muzaffer yaptı: dar, askısız, diz altı, soluk somon beji ve soluk çiçek baskılı (Fransız tasarımcı, büyükannesinin doğum sırasında giydiği sliplerden ilham almıştı. çocukluk). Sutyenin kupları, 1950’lerin mermi sutyenleri gibi meme uçlarına doğrultulmuştu. Gaultier podyuma konik büst koyan ilk kişi değildi (Bambara arka’dan ilham alan Yves Saint Laurent, 1967’de yaptı). Ancak ertesi yıl, Gaultier’in sutyeni, absürt trafik konileri gibi turuncu büzgülü kadifeye dönüştürülerek daha da aşırı oranlarda olacaktı. Gerisi pop kültür tarihiydi. -JT
Li:Gaultier önemli çünkü potu karıştırabiliyor.
Golbin: En iyi şekilde, her biçimde, Le Smoke’un ruhuna aykırıydı. Ama kadın gardırobuna giren erkek giyim yerine, burada dış giyime dönüşen iç çamaşırlarınız vardı. Giysilerin kendilerinin ve onları çevreleyen kültürün yeniden icat edilmesiyle ilgiliydi.
Owens: Yine de Gaultier’in hilesi, ihlalin arkasında mükemmel kalitenin yattığını düşünüyorum. Bu, ihlale saygı duymamızı sağlayan şeydi.
Li:Podyuma getirdiği neşe de bir nevi aydınlatıcıydı.
8. Courrèges, André Courrèges, 1965 baharı
Akıl hocası Cristóbal Balenciaga, ilham almak için geçmişi çıkardıysa, Balenciaga’nın evinde 10 yıl çalışan André Courrèges geleceğe odaklanmıştı. Eğitimli bir inşaat mühendisi olan Courrèges, bazen “Couture’ün Le Corbusier’i” olarak anılır, geometriyi deneyerek ve vinil ve plastik gibi tekstillerle yenilikler yaparak titiz bir mimari yaklaşım kullandı. 1964 sonbaharında A-line elbiseler, düşük belli etekler ve düz tabanlı go-go botlardan oluşan koleksiyonuyla bir sıçrama yaptıktan sonra, ertesi yıl bu fikirlerini moda basınının “The Courrèges Bomb” adını verdiği yeni bir gardıropla birleştirdi. Zarif bir şekilde dikilmiş pantolon takımları ve oldukça radikal bir şekilde, ayak bileği botlarıyla giyilen diz üstü etek çizgilerini gösterdi – hepsi pastel ve parlak kırmızı vurgularla tercih edilen sade beyaz paletinde işlendi. Gösteri, onun ilerici moda vizyonunun bir özetiydi: Kadınları 1950’lerin katı, telaşlı silüetlerinden kurtarmak ve on yılın yeni özgürlük duygusuyla konuşmak istedi. “Artık hayatın içinden geçmiyorsun. sen koş. Dans edersin. Araba sürüyorsun. Sen uçağa bin,” dedi evvelce. “Giysiler de hareket edebilmelidir.” – KW
Golbin: Courrèges, Balenciaga’nın evinden geldi ve modern gardırop konseptini tamamen beyaz olarak tanımladı. Günümüz gardırobunun en önemli iki unsuru olan mini elbise ve pantolon takımını tanıtıyor.
Li: Satıldı. Hadi devam edelim.
9. Alexander McQueen, 2005 baharı
Modanın arka olarak kabul edilip edilemeyeceğini sorgulayanların, Londra’da işçi sınıfı bir evde büyüyen ve genç yaşta terzilik mesleğine giren Lee Alexander McQueen’in kreasyonlarını yeniden tanımasında fayda var. Dikenlerle basılmış pembe ipek saten bir ceket içeren ilk koleksiyonu Karındeşen Jack Kurbanlarını Saplıyor; kendi saçı, bazı kıyafetlerinin astarına dikilmişti, bu da Viktorya döneminin aşıkların birbirlerine buklelerini hediye etme geleneğine bir saygı duruşuydu. Gelecekteki koleksiyonlar kaynak materyallerinde farklılık gösterecekti, ancak her biri anlatıya benzer bir bağlılık ve detaylara eşsiz bir dikkat gösterecekti. Çatışma ve hatta ürkütücü şeylerden de büyülenmişti. (1995’teki “Highland Rape” adlı şovu, İngiltere’nin İskoçya’yı sömürüsünü tema olarak aldı ve 90’ların sonlarındaki ultra düşük kotları kullanan, kredilendirilen veya kime sorduğunuza bağlı olarak suçlanan kötü şöhretli popolarını öne çıkardı. 2005 ilkbahar koleksiyonu It’s Only a Game’i sunduğunda, kapsamlı bir eser geliştirmişti ve gösterinin kibirini – Amerika ile Japonya arasında oynanan bir satranç maçı – kılavuz olarak, konseptleri seçerken kullandı. önceki yıllardan kalma ve bunları bir satranç tahtasının çeşitli parçalarına karşılık gelecek şekilde yeniden yorumlama. (Örneğin, at kılı ile tamamlanan elbiseler, 2000 sonbaharındaki Eshu koleksiyonuna geri döndü ve şövalyeyi sembolize etti.) Sonuç, McQueen’in imzası olan 19. yüzyıl motifleriyle Japon ve çağdaş Amerikan referanslarını birleştiren hem retrospektif hem de bir incelikti. 36 modelin tamamı podyumda bir kareye monte edildi, zemine bir satranç tahtası yansıtıldı ve kadınlar robotik bir sesin koreografik komutlarını takip etti. McQueen’in Doğu-Batı kibri bugün muhtemelen daha fazla inceleme altına alınacaktı, ancak o zaman bile yaratıcı kararlarını savunmaya alışmıştı. – uzaktan kumanda
Sozzani: Lee’yi çok iyi tanıyordum. Hatta gençken bir yıl benimle çalıştı. Kesişini çok sevdim, özellikle ceketlerini. İnsanın mükemmele ulaşabileceği kadar yakındı. Bu koleksiyonda özellikle feminen ve maskülen karışımını beğendim. Satranç tahtasını oluştururken orada olmak çok duygusaldı.
Haramiler:Bence bu, gösteri ile koleksiyon, gösteri ile giysinin kendisi arasındaki fark hakkında ilginç bir noktayı gündeme getiriyor.
Gösteriden bir klip. Kredi Kredi… video modası
Golbin: Son 20 yılda, gösteri çok önemli bir rol üstlendi. McQueen’in son tam koleksiyonunu 2010 baharı için aday gösterdim [tasarımcı o yılın Şubat ayında intihar etti] ve bu tam bir gösteriydi. Ancak Carla’nın dediği gibi, bu sadece onun yenilikçi ruhunu bir araya getirmekle kalmadı, aynı zamanda diğer tasarımcılar tarafından kullanılan tüm kesimlere ve parçalara da sahipti.
Li: Bu listeye, etkiyi ve kültür üzerindeki kalıcı etkisini belirlemeye çalışarak yaklaştım. McQueen’in muhteşem gösterileri, çok güzel ve son derece iyi yapılmış olsalar bile, benim için gerçek kıyafetleri gölgede bıraktı.
Sozzani:Ama bu her şeye sahipti: kesim, kumaş, kompozisyon!
10. Thierry Mugler, 1979 sonbaharı
1979 sonbahar koleksiyonu Spirale Futuriste’i piyasaya sürdüğünde, Thierry Mugler bilimkurgu kinayeleri üzerine riff’leri, altın ve gümüş lame kostüm modelleri ve fembot-keskin omuzlarla zaten biliniyordu. Yine de o sezon vizyonu kristalleşti: Mugler’ın kadınları, onun tuhaf uzay gemisinde, yüksek boyunlu tunikleriyle – şık kapüşonları takılı olsun ya da olmasın – gökadaların etrafında dönen, metalik sallanan paltolar ve parlak pantolonlar, yakalarının ve maskelerinin kenarlarıydı. kötü adamların bıyıkları gibi çıktı. Akşam için holografik önlükler ve pileli pelerinler giydiler. Ancak, modellerin göğe doğru dönen yontulmuş, yerçekimine meydan okuyan atkuyruklarına kadar en önemli motif spirallerdi. Mugler uzay çağından ilham aldı ama Courrèges, Pierre Cardin veya Paco Rabanne yapmıyordu. Karikatürümsü ve teatral biriydi ama “The Jetsons” ya da “Star Trek” de yapmıyordu. Mugler yapıyordu. Her ne kadar Claude Montana’nın geleceğe dair imajıyla yakından rekabet ediyor olsa da – her iki tasarımcı da o sezonu Paris’teki Forum des Halles’te, hazır giyim gösterileri için yeni inşa edilen çadır kentte gösterdiler – Spirale Futuriste, Mugler’ın ticari olarak başarılı ilklerinden biri olarak adlandırıldı. koleksiyonlar. Belki de en vizyoneri. -JT
Sozzani: Bu koleksiyon çok güzeldi. Azzedine [Alaïa] bunun için smokin yaptı. Thierry gösteri notlarında ona teşekkür etti.
Owens: Bu yüzden seçtim – çünkü Alaïa’nın bu koleksiyon üzerinde çalıştığını biliyordum. Ama aynı zamanda Mugler’dan beklediğimizden daha fazla gizem vardı. Bu, daha sonra geliştirdiği seks bombası tanrıçası görünümünden önce gelen militarist bir retrofütürizme sahipti.
Golbin: Azzedine’den bahsetmesi Mugler’in hazır giyiminin ne kadar inşaata dayalı olduğunu kanıtlıyor. İşçilik olağanüstüydü ve aynı zamanda bu ikisi, Jean Paul Gaultier ve Claude Montana ile birlikte yepyeni bir yaratıcılık çağını başlattı.
11. Balenciaga, Cristóbal Balenciaga, 1967 baharı
Mayıs 1968’de İspanyol modacı Cristóbal Balenciaga, 31 yıl sonra Paris’te 10 Avenue George V’deki salonunu kapattığını duyurdu. Kararla ilgili olarak “Couture destekli yaşam sona erdi” dedi. “Gerçek couture artık yapılması imkansız olan bir lüks.” Müvekkillerinden ve ardından gelen moda basınından keder patlaması bekleniyordu; Ayrıldığı zaman, kadın siluetini yeniden şekillendirmeyi, akıllı kesim ve minimal yapıyla heykelsi bir saflığa ulaşmayı içeren bir mirasa imza atmıştı. Örnek olay: 1967 ilkbahar defilesi, bazıları sadece tek bir dikişle yapılmış bir dizi sade elbise ve pelerin. Apotheosis – bir keşiş başlığını andıran bir başlıkla eşleştirilmiş çapraz kesim ipek gazar gelinlik – Balenciaga’nın dini cübbelere olan ömür boyu hayranlığını örneklendirerek sadeliğiyle dikkat çekiyordu. 2021’de, Balenciaga’nın şu anki sanat yönetmeni Demna, 53 yıl aradan sonra evin ilk couture şovunu düzenlediğinde, orijinali geliştiremedi ve sadece gelinliği yeniden tasarladı, kaputu opak naylon bir duvakla değiştirdi. Daha sonra Demna, “Bu elbise Balenciaga’nın dehasının bir tezahürüydü” dedi. – KW
Owens: Bana göre 1957 – etek takımlarının ve kombinezon tarzı çuval elbisenin zamanlarında – etiketini belirlediği zamandı. Sonrasında gelen her şey bir evrimdi. Neredeyse belirli bir koleksiyona indirgeyemedim; o ilk yıllarda hepimizin bildiği ve bugün referans gösterdiği Balenciaga’yı yarattı.
Golbin: Genel olarak 1957, moda için önemli bir yıldı. Christian Dior’un vefat ettiği ve dizginleri Yves Saint Laurent’in devraldığı yıl. O zamanlar gerçekten iki okul vardı: Dior New Look’u oluşturmuştu – çok özel, çok kadınsı bir siluet – ve sonra moda sözlüğünde farklı bir siluet öneren iki yabancı Gabrielle Chanel ve Cristóbal Balenciaga vardı. 1957’nin Balenciaga için çok önemli bir yıl olduğu doğru, ancak 1967’yi dahil etmeyi tercih ederim, çünkü tüm elbiselerinin en minimal yapısına ulaştığında bu koleksiyon, tek dikişten yapılmış gelinlik. Tüm yörüngesi, giysiyi en saf ifadesine kadar sadeleştirmekle ilgiliydi ve o elbise bir yapboz gibiydi. Yani, evet, ’57 çok farklı yenilikler getirdiği için önemli – kombinezon elbise, fırfırlı dantel oyuncak bebek elbiseler – ama ben onun hayatının işini neredeyse bitirmek üzere olduğu koleksiyonu seçtim. 50 yıldan fazla bir süre önce işe başlamıştı ve bu koleksiyonla neredeyse nihai hedefine ulaşmış gibiydi: maksimuma sadelik.
Owens:Vay, sen bir ansiklopedisin.
Li: Tasarımcıyı koleksiyondan ayırmayı unutmamamız gereken yer burası. İkisi arasında ayrım yapmak zor olabilir, ancak bizim zorluğumuz belirli koleksiyonları seçmek. Balenciaga belirli bir siluetin ustasıydı, bu yüzden onu dahil etme konusundaki isteksizliğim, neredeyse onun koleksiyonlarından herhangi biri olabileceği gerçeğinden kaynaklanıyor. Ama Pamela’nın 1967 baharı, Balenciaga’nın giysilerin en saf biçimine damıtılması hakkında konuşma şekli beni etkiledi. Onun mirası bir anda ortaya çıkmadı. Arkasında 10 yıllık bir gelişim vardı.
Owens:Ne zaman ortaya çıktığına odaklandım çünkü ortaya çıktığın zaman bir şeyleri değiştirdiğin, görünür olduğun ve herkesi şaşırttığın zamandır.
12. Demna’dan Vetements, 2015 sonbaharı
Fırsat yokluğunda cool nasıl görünür? Bu, her genç neslin kendi kendine cevaplaması gereken bir soru. 2015 yılında, Gürcü tasarımcının (şirketin CEO’su olan kardeşi Guram Gvasalia ile birlikte) tek isimle bilinen Gürcü tasarımcı tarafından yönetilen yeni kurulan Paris merkezli kolektif Vetements, deri ceketler ve naylon bombardıman uçakları, kollarını modellerin parmak uçlarına ve ötesine kadar uzatıyor. Sunumda Sovyet kemer sıkma politikasını hatırlatan kasıtlı bir ayıklık olsa da, bu tür abartılı jenerikliğin izini Amerikan norm çekirdeğine dayandırabiliriz; örneğin, lastik temizlik eldivenlerine esrarengiz bir benzerlik gösteren sarı eldivenlerle eşleştirilmiş sarkık çiçekli slip elbise. Bu kısmen, Demna’nın ayrılmaz bir danışmanı olan, şovları şekillendiren ve yayınlayan bir arkadaşı olan Rus stilist Lotta Volkova’nın damgasıydı. Vetements’ın tek beden estetiği, hızlı modanın taklit edilmesi için kolay olsaydı, etiket aynı zamanda, görünüşleri sıradan olandan ilginç olana ve alışılmadık derecede güzel olan modellerle sıradan insanların bireyselliğini yeniden doğruladı – ama tavırlarında tek tip ihtiyatlı olan , sanki giydiklerine çok fazla yatırım yapmak istemiyorlarmış gibi. – uzaktan kumanda
Holmes: Paris’te bir kulüpte sergilenen bu koleksiyon, gerçekten Demna’nın dikkatleri üzerine toplamaya başladığı zamanlardı. Çevremdeki herkes giyiyordu. Ayrıca Vetements ile ne yapmaya çalıştığının en net ifadesi gibi geldi.
Golbin: Anlaştık, Matt. Kurumsal lükse alternatif bir vizyon öneriyordu. Vetements için Demna ve Balenciaga için Demna arasında seçim yapmak benim için zordu, ancak bununla tüm sistemi bozdu.
13. Comme des Garçons, Rei Kawakubo, 1997 baharı
Moda her zaman bir şekilde vücudu şekillendirmekle ilgili olmuştur – Elizabethanların giydiği hacimli silüetten Viktorya dönemi korse tarafından oluşturulan kısıtlayıcı kum saati kıvrımlarına kadar. Giysilerin bedensel imajla etkileşimini Japon tasarımcı Rei Kawakubo kadar kimse yeniden keşfetmedi. Şimdi Lumps and Bumps koleksiyonu olarak anılan Kawakubo, doğal olmayan çıkıntılar ve dolgulu, hoş olmayan çıkıntılarla dolu bir dizi elbise ve etek – bazıları flört, feminen şemsiyeyle – sundu. Kawakubo, bununla birlikte, vücudun doğal manzarasına karşı agresif bir şekilde çalışan geleneksel giysi tasarımı modelini zekice alt üst etti. Kabarık giysileri, bir kadının erkek bakışına -aslında herhangi bir bakışa- maruz kalması gerektiği ve bu modanın bir şekilde vücudu düzeltmesi ya da güçlendirmesi gerektiği şeklindeki hakim tutuma yaramaz bir tepkiydi. Deformasyonları baştan çıkarmanın tam tersini yaptı; gerçekten de, bir tiksinme biçimi olarak modaydı. Kawakubo’nun ellerinde beden, cinsiyet, güzellik ve seks hakkında fikirlerin üzerinde çalışılacağı bir tuvaldi. Koleksiyon, bir tür Rorschach testi gibi hareket ediyor, bazıları hamile karınlarındaki çarpıklıklarda, kız öğrenci sırt çantalarında ve hatta 1980’lerde kurumsal Amerika’ya giren kadınlar tarafından benimsenen cüretkar dolgulu omuzların gönderiminde görülüyor. — Max Berlinger
Haramiler:Son olarak, hepimizin hemfikir olabileceği bir giriş.
Owens: Başlangıçta, tarihsel olarak yapay bir şeyi telaş gibi alıp yeni nesil için abartmanın kurnazlığını gördüm. Ama bunun kadınlar için daha derin bir şekilde nasıl özgürleştirici olabileceğini görebiliyorum, bu yüzden Carla ve Pamela, sana erteleyeceğim.
Sozzani: Bize açıkça seksi olmamız gerekmediğini öğretti. Benim için özgürlük hakkında büyük bir açıklamaydı.
Golbin: Vücut tiplerinin çeşitliliğini ilk kez kabul ettiğini de eklerdim. Modellerin kendileri ince olsa da, giysiler o zamanlar oldukça sıra dışı olan bir kadın vücuduna yeni bir bakış açısı sunuyordu. Rei, “Sahip olabileceğimiz tüm bu formlara bakın – hepsi farklı ve hepsi güzel” diyordu.
Holmes:Koleksiyonun seksi olmanın ne anlama geldiğinin tanımını değiştirdiğini iddia ediyorum.
14. Helmut Lang, 1998 baharı
Bunun, nihai pragmatist Helmut Lang’in defilesini moda ayının başlangıcına taşıdığı, diğer New York tasarımcılarından ayrıldığı ve böylece tüm takvimi bugünkü haline göre yeniden düzenlediği sezon olduğunu unutun. önceki Avrupa, sonra değil). Ya da bir sonraki sezon koleksiyonunu CD-ROM’da sunacağını, gelecek şeylerin habercisi olduğunu. Bu koleksiyon, diğerlerinden daha fazla, bugün endüstriyi tanımlayan özlü Lang-ism’lerin bir örneği olarak hizmet ediyor. Hem erkekler hem de kadınlar tarafından giyilen, keskin siyah ve beyaz renkte keskin ama sade bir terzilik var; kot pantolonlar, kolsuz bluzlar ve tişörtler gibi alçakgönüllü giysilerin podyuma yakışır birer zımba haline getirilmesi; Velcroed yelekler veya ayarlanabilir kalça kapamaları gibi cesur, faydacı ayrıntılar. Lang’ın parçaları özünde işlevseldir, modanın Le Corbusier’in içinde yaşamak için kullandığı sözde makinelerine verdiği yanıttır. Gerçekten de Lang, şehir üniformasının gergin, dünyevi bir versiyonunu podyumlarına ve kıyafetlerine getirirken her gün güzelliği gördü. halk, 20. yüzyılın sonunda gerçek hayatla uyumlu, katı bir heves gördü .Sokak giyiminin yükselişinden önce, Lang, fark edilmeyecek kadar sıradan öğeleri alıp, sonra onları şehvetli, sofistike özlerini ortaya çıkaran sanatsal versiyonlara dönüştürdü. – MB
Holmes: Herkesin bu sohbete hangi Helmut koleksiyonunu getirdiğini görmek için gerçekten sabırsızlanıyordum. Çalışmaları çok giyilebilir ve çağdaş ve oyuncu kadrosuyla ilgili fikirlerini her zaman sevmişimdir – arkadaşları ve sanatçıları model olarak kullanarak topluluk oluşturma.
Li: Bu, erkek ve kadın kıyafetlerini sürekli olarak bir arada gördüğümü ilk hatırladığım zamanlardan biri. Sanırım bu tamamen doğru değil, ama Helmut Lang dili o anı çok mükemmel bir şekilde yansıttı.
Sozzani: Gözlerinizi kapatır ve Helmut Lang’i düşünürseniz, gördüğünüz şey budur. Bu çok önemli Helmut: çoğunlukla özel dikilmiş siyah veya beyaz giysiler. Erkekler ve kadınlar kıyafet alışverişinde bulunabilirler.
Li: Aynı zamanda arzulanan bir şey olarak faydanın erken bir örneğiydi. Calvin Klein sonrası bir manzarada tasarımcı kot fikrini değerlendirdi ve onu bir üniformaya dönüştürdü.
15. Issey Miyake, 1989 baharı
Issey Miyake’nin imzası olan pileleri, 1993’te kurduğu Pleats Please Issey Miyake serisiyle daha çok ilişkilendirilirken, “giysi pileleme” tekniğini ilk kez kendi adıyla anılan etiketi altında piyasaya sürdü. Parlak kobalt, neon sarısı ve uçuk turuncu renkte, dar kesimli ve kloş, uyumlu kruvaze kısa ceketlerle tasarlanmış yüksek belli askılı pantolonlarda pileler belirdi. Ağustosböceği kanatlarını andıran şeffaf organsı bir tepeyi canlandırdılar. Bazıları, sert ve neredeyse gevrek görünen elbiseler ve ceketler şeklinde oyulmuştu; diğerleri vücuda daha sıkı sarılmış, pürüzsüz ve şık. Bu deneyler, 1900’lerin başında kendi patentli ipek plise tekniğini geliştiren Mariano Fortuny gibi tasarımcıların ardından, eski origami arka planına saygılarını sunarken, plise evriminde yeni bir aşamayı işaret etti. Yine de Miyake’nin yöntemi geleneksel değildi: Pileleri ancak kumaş kesilip dikildikten sonra ısı ve basınç kullanarak yaptı; bu kadar sıkı kıvrımlar oluşturmak için oldukça fazla malzeme gerekiyordu. Miyake, tasarımlarını modada algılanan biçim sınırlarının ötesine iterken yıllarını yineleyerek geçirdiği bir teknikti. Çığır açan tasarımcı bu Ağustos ayında 84 yaşında öldü. -JT
Li: Bu sezon özel çünkü pileler koleksiyonun odak noktası haline geldi. Miyake’nin tamamen kendi yaptığı Fortuny’nin tekniğinin bir uyarlamasıydı. Benim için ya çok özel bir siluet, bir malzeme ya da bir tasarımcıyı sonsuz büyüklüğe fırlatan bir teklif. Miyake silüeti, kumaşın yetenekleri tarafından bilgilendirildi.
Golbin:Teknoloji o kadar entegreydi ki.
Sozzani: Ayrıca inanılmaz olan çamaşır makinesine de koyabilirsiniz. Ve sıska olmayan kadınlar için iyidir. Bu anlamda önemli bir koleksiyon.
Owens:Miyake’yi seviyorum ama bana kalsa bu alanı Yohji Yamamoto’ya ayırırdım.
16. Yohji Yamamoto, 1995 baharı
Tüm tasarımlar bir biyografi biçimidir, ancak 1995 bahar koleksiyonuna kadar Yohji Yamamoto, uyruğuna açıkça atıfta bulunmaktan çoğunlukla kaçınmıştı. Anavatanı Japonya’dan ilham alan bu gösteri belki de bu yüzden bu kadar etkileyiciydi. Carla Sozzani o zamanlar “Saf şiirdi” demişti. “Modanın olması gereken buydu, sizi hayal ettiren bir şey.” Duygulu bir dokunuşla Yamamoto, en geleneksel Japon kıyafetleri olan kimono etrafında bir koleksiyon hazırladı ve onu uzun bornozlara ve manastır ayraçlarına dönüştürdü. Dökümlü, büyük boy kollardan şeffaf ipek üzerinde kiraz çiçekleri gibi klasik motiflerin kullanımına kadar, ülkenin en büyük içlerinden birinin gelenekleri ve gelenekleri üzerine bir meditasyondu. Koleksiyonda özellikle geleneksel şiboriboyama tekniği, her giysiye biraz farklı bir patina veren el yapımı bir işlem. – MB
Golbin: Yohji’yi nasıl dahil etmeyelim? O, Miyake ve Kawakubo Paris’e geldiler ve her biri kadın bedeninin bu dramatik yeniden düşünülmesinde önemli bir rol oynadı.
Li:Shibori’nin el işi unsurunu seviyorum.
Sozzani: Bu duygusal olabilir, ancak Yohji hakkında bir kitabı düzenlerken [“Kendimle Konuşmak”, 2002], o ve Rei Kawakubo’nun 90’ların başında ayrılmasından çok kısa bir süre sonra [çiftin bir yıldan fazla bir süredir birlikte olduğunu fark ettim. 70’lerin sonlarında başlayan on yıl boyunca, çalışmaları çok daha az ilginç hale gelmişti. Bence bu onun geri dönüş koleksiyonuydu. Yaklaşık üç yıl sessiz kaldı ve bu onu yeniden ünlü yaptı. Olması gerektiği gibi: İş inanılmazdı.
17. John Galliano, 1986 baharı
Eleştirmenler, William Blake’in bir çalışmasıyla aynı adı taşıyan John Galliano’nun Fallen Angels koleksiyonuna karşı nazik değildi. Tasarımcının yeteneğini kabul ettiler – o zamanlar 24 yaşındaydı, moda okulundan iki yıldan az bir süre sonraydı – ama Londra’daki Duke of York Kışlası’ndaki sunumu çok pratik, çok fazla çalışmış ve Vivienne Westwood da buldular. Modelleri pudraya bulanmıştı, bazılarında keçeleşmiş saç çizgileri ve damlayan siyah mürekkep damgalarıyla damgalanmış alınları vardı; çıplak ayakla ya da çamurda sürüklenen Patrick Cox “hobo” ayakkabılarıyla yürüyorlardı. Bir muhabir onları “18. yüzyıldan kalma zihinsel rahatsızlığa sahip mültecilerden oluşan hayalet bir kabile” olarak tanımladı. Tüm hesaplara göre, koleksiyon iyi satmadı. Ancak Fallen Angels, Galliano için yaklaşık 35 yıl sonra Maison Margiela’nın 2020 Artisanal koleksiyonunu tasarlarken ona ilham verecek kadar önemliydi. Bu koleksiyon için ilham kaynağı, 1986 ilkbahar defilesini kapatan sırılsıklam elbiselerdi: imparatorluk belli elbiseler, saf beyaz kumaşın vücuda yapışması ve neo-Klasik dökümü çağrıştırması için suyla sıçradı. Final, 19. yüzyılın başlarındaki “muslin hastalığından” muzdarip antik dönem takıntılı Fransız kadınlarının ilmine değindi – bir efsaneye göre, vücudu sergilemek için sırılsıklam tüller içinde dolaşırken yakalanan bir hastalık. -JT
Sozzani: Başlangıçta onun mezuniyet koleksiyonunu [Londra’daki Saint Martins Arka ve Tasarım Koleji’nde sunuldu, şimdi Central Saint Martins olarak anılıyor] eklemek istedim. Oradaydım ve etkileyici ve romantikti. Ama Fallen Angels koleksiyonunu ne kadar sevdiğimi unutmuşum.
Owens: Beni başlatmayın çünkü Galliano’nun kumaşın yüzmesine ve yerine oturmasına nasıl izin verdiğini anlatabilirim. Hiç böyle bir şey görmedim. [Christian] Lacroix ve Alber [Elbaz] bezeleri yoktan savuruyor gibiydiler ama Galliano’nun şekerlemeleri aralarında en hafifiydi.
18. Alaïa, Azzedine Alaïa, bahar 1992
1990’da Fransız Tunuslu tasarımcı Azzedine Alaïa hem evini hem de atölyesini Paris’in Marais semtinde çok katlı bir bina olan Hôtel des Évêques de Beauvais’e taşıdı. Burayı yenilerken, mekânın önceden, daha sonra Madame de Pompadour olarak tanınacak olan, canlı ve kültürlü baştan çıkarıcı, Kral XV. Louis’in eski metresi Jeanne-Antoinette Poisson tarafından işgal edilmiş olduğunu keşfetti. Bu cıvıl cıvıl ıvır zıvır lokması Alaïa’nın 1992 bahar koleksiyonuna ilham verdi; 100 görünümden oluşan sağlam bir teklif, yalnızca onun Fransız maharetini değil, aynı zamanda titiz teknik inceliğini de (kimsenin onun gibi kesemeyeceğini söylemeliyim) kanıtladı. “King of Cling”, bilindiği gibi, tarihsel moda güzelliklerini – bol kalça çantaları, şık redingotlar, broderie işlemeler, geniş kabarık etekler – tamamen çağdaş, hatta şehvetli bir şekilde kusursuz bir şekilde uyandırmayı başardı. Onun yorumu, göğüs dekoltesini vurgulayan kare yakalı, keskin dikilmiş etek takımlarına dönüştü; korse benzeri, lazer kesimli deri obi kemerleri; gevrek beyaz gömlekler; zarif yivli kalem etekler; ve hepsi Versailles saray kostümüne saygı duruşunda bulunan, doğruluk konusunda çıkmaza girmeden, köpüklü katmanlı miniler. 2018’de tasarımcının temeli, bu tek gösteriyle ilgili, içerdiği işçilik ve detay seviyesini gösteren tüm bir sergi olan “Bir Koleksiyonun Gizli Simyası”nı kurdu. Bazı tasarımcılar yaratıcı güç merkezleri ve diğerleri nefes kesici zanaatkarlardır, ancak Alaïa her ikisinin de en nadir birleşimiydi. – MB
Sozzani: Bu, neredeyse 10 yıl durmadan önceki son sergisiydi ve bence bu onun en büyük koleksiyonuydu. Her şeyden biraz vardı: terzilik, örgüler, deri, kesimler. Tek bir koleksiyonda çalışmalarının bir ansiklopedisiydi. Azzedine harika bir modacı ve onsuz herhangi bir liste eksik olurdu.
19. Maison Martin Margiela, Martin Margiela, 1996 baharı
Rebecca Mead’in The New Yorker’da yazdığı gibi , “Margiela giysilerle ilgili giysiler yapıyor.” Bunun için 1996 bahar koleksiyonundan daha iyi bir örnek olamaz, geleneksel anlamda giysiler “tasarlamak” yerine, diyelim ki kalın bir örgü kazak veya göz alıcı payetli bir etek gibi, serebral ve hafif yüreklinin esprili bir karışımı. — fotoğrafçı arkadaşlarını bu öğeleri çekmeye davet etti, görüntüleri gerçek boyuta kadar üfledi ve ardından bunları genel hafif giysilere bastı. Şimdi Trompe L’Oeil koleksiyonu olarak bilinen bu tasarımlar, endüstrinin kutsal ineklerine bir el bombası attı: işçilik, özgünlük ve özgünlük. Basına hiç konuşmamış olan tasarımcı sanki şöyle soruyordu: “Kazak nedir? Payetli bir elbiseyi bir resminden daha gerçek yapan nedir?” Margiela’nın modanın önde gelen filozoflarından biri ve aynı zamanda en kurnaz şakacılarından biri olarak ününü doğruladı. Soluk siyah-beyaz baskılarıyla, giysiler neredeyse Proustvari bir kaliteye sahiptir ve inanılmaz bir giysinin bıraktığı kalıcı izlenimin yanı sıra belleğin kendisinin geçici doğasını da bünyesinde barındırır. – MB
Owens: Bana kalırsa tasarımcılar miraslarını kariyerlerinin başlarında yaratırlar. İşte o zaman bizi oturttular ve yaptıklarına dikkat çektiler ve Margiela’nın yaptığı da buydu. Bahse girerim Carla gösterideydi.
Sozzani: Öyleydim, evet. Çok ilginçti: Kadınların yüzleri kapalıydı, bu da kıyafetleri çok önemli gösteriyordu. Çoğu zaman bir defile izlerken ya modellere bakarsınız ya da müzik dinlersiniz. Tasarımlarına dikkat ederek mühlet yaptı.
Golbin:Modanın süper modellerle ilgili olduğu bir zamanda, yüzleri silmek ve kıyafetlerin kendileri için konuşmasına izin vermek oldukça radikal bir eylemdi.
Li:Margiela bir tanrı.
Sozzani:Keşke tüm koleksiyonlarını dahil edebilseydik.
20. Vivienne Westwood, 1976
1970’lerin Londra’sında doğmakta olan punk sahnesinin sesi Sex Pistols’un hırlamasıysa, hareketin resmi olmayan merkezi Chelsea’de 430 Kings Road’daydı. Eski bir öğretmen olan Vivienne Westwood, o zamanki erkek arkadaşı, müzik yapımcısı Malcolm McLaren ve arkadaşı Patrick Casey ile 1971’de Let it Rock adlı bir dükkân açtı. dekor, geliştikçe kıyafetleri yansıtmak için dört kez daha değişti. Westwood’un son beş yıldır denediği fikirler -esaret pantolonları, çözülen tiftik kazaklar- 1976’da dükkan İsyancılar olarak yeniden canlandırıldığı zaman gerçekten alev aldı. Pornografik görüntüler ve sloganlarla basılmış tişörtler, zincirler ve çengelli iğnelerle süslenmiş yırtık elbiseler ve üstler o anın isyankar ruh halini yakaladı ve Westwood ve McLaren resmi olmayan ilk çifti oldular. Westwood, 2014 yılında Ian Kelly ile birlikte yazdığı anıları “Vivienne Westwood”da “Kendimi bir moda tasarımcısı olarak değil, başkalarını giydirme ve giydirme şeklim aracılığıyla çürümüş statükoyla yüzleşmek isteyen biri olarak gördüm” dedi. “Sonunda bu fikirler dizisi punk ile sonuçlandı.” – KW